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ANIMATAZINE

DINAÏG STALL

Dinaïg Stall è una regista teatrale e marionettista (interprete e ideatrice), e insegna l'arte delle marionette presso la Scuola Superiore di Teatro (UQAM), dove dirige il DESS in teatro delle marionette contemporanee.

Dopo aver completato gli studi presso la Scuola Superiore Nazionale d'Arte delle Marionette, ha fondato la compagnia Le bruit du frigo (Francia), della quale è stata direttrice artistica per 11 anni.

Ha anche lavorato con altri artisti come Johanny Bert (Francia) o Jaime Lorca (Cile) e ha intrapreso una collaborazione artistica fruttuosa con Céline Garnavault (La Boîte à sel, Francia) dal 2004.

Dal suo arrivo in Québec nel 2014, ha collaborato con diverse creatrici: Sarianne Cormier (per il suo cortometraggio La Volupté), Marie-Eve Huot (Théâtre L’Ébouriffé e Le Carrousel) e Marie-Christine Lé-Huu (Théâtre de l’Avant-Pays), conducendo anche progetti di ricerca creativa con la musicologa Catrina Flint (College Vanier) e il professor Mark Sussman (Concordia University).

È membro del gruppo di ricerca PRint - Pratiques interartistiques et scènes contemporaine, dell'IREF e del Réqef.

La sua ricerca-creazione si concentra sull'esplorare le specificità estetiche e drammaturgiche della marionetta contemporanea come linguaggio unico, mentre lavora per integrarla con altre forme d'arte.

Dal gennaio 2019, sta conducendo un progetto di dottorato in Studi e Pratiche delle Arti (UQAM) che le consente di esplorare il potenziale delle figure e dei procedimenti marionettistici per creare rappresentazioni femministe e queer.

A Taste for Clay - Di e con Dinaïg Stall - Foto di  Elena Sennéchael e Dinaïg Stall - 2021

RACCONTACI LA GENESI DELLA TUA INSTALLAZIONE PERFORMATIVA A TASTE FOR CLAY. COMINCIAMO DAL TITOLO, A COSA SI RIFERISCE?

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Nel racconto di Emma Donoghue intitolato "What Remains", ho liberamente adattato l'espressione "A Taste for Clay" per un'installazione-performance. Donoghue, una scrittrice irlandese trapiantata in Canada, nell'Ontario, da diverse decadi, è principalmente conosciuta per il suo celebre romanzo "Room", successivamente adattato per il cinema.

 

Circa dieci anni fa, la lettura di questo racconto mi ha profondamente colpito. Donoghue ha una capacità unica di estrarre storie dagli archivi storici, riguardanti persone realmente esistite, e di imprimervi la sua soggettività, quasi come una ventriloqua letteraria.

 

Il racconto segue le vite di due scultrici americane, Florence Wyle e Frances Loring, stabilitesi a Toronto. Esse hanno dedicato l'intera loro carriera al Canada, contribuendo in modo significativo al riconoscimento della scultura nel paese. È probabile che fossero una coppia, anche se questo non è certo, poiché all'epoca non era consueto dichiararlo apertamente. In ogni caso, hanno condiviso la loro vita e lavorato fianco a fianco nello stesso studio, senza mai sposarsi né avere figli, fino a morire a tre settimane di distanza l'una dall'altra.

 

La storia si svolge verso la fine della vita di Florence e Frances, quando sono costrette a vivere in una struttura per anziani. Tutto è narrato dal punto di vista di Florence, mentre Frances affonda nella demenza.

 

Il tema dell'erosione è centrale in questo racconto: l'erosione della memoria, naturalmente; l'erosione del legame tra le due donne, poiché Frances non riconosce più Florence; e l'erosione dei loro stessi corpi. Inoltre, la maggior parte delle loro opere pubbliche è praticamente scomparsa: le statue sono state distrutte o spostate in luoghi meno rilevanti, tranne una che si trova ancora sulle colline del Parlamento a Ottawa. La Galleria d'Arte dell'Ontario ospita circa 200 delle loro sculture, ma nessuna è esposta permanentemente. Come molte altre artiste donne, anche loro sono state ampiamente ignorate.

 

Va detto, però, che le due donne praticavano uno stile di scultura oggi considerato obsoleto, molto vicino al neoclassicismo. Personalmente, non mi sento particolarmente attratto/a da questa estetica. Ciò che mi ha colpito di più è stata la relazione tra le due donne e con l'arte, resa in modo coinvolgente da Donoghue.

 

Il titolo "Un Gusto per l'Argilla" è ispirato a questo splendido estratto del racconto:

 

"Questo mese ricorrono 60 anni da quando ci siamo conosciute nel corso di scultura a Chicago. Lei alta, io bassa. Lei bella, io no. La sua famiglia l'adorava, la mia non badava a me. Lei cresciuta a Ginevra, io a Waverly, nell'Illinois. Lei pensava di amare gli uomini, io di odiarli. Lei credeva nella politica, io scrivevo poesie sugli alberi. Lei lavorava a scatti, io un po' ogni giorno. L'unico legame che avevamo era il nostro amore per l'argilla."

 

Questo brano mi colpisce perché anch'io sento un'affinità con il materiale dell'argilla. Entrambi i miei genitori erano ceramisti, e sono cresciuto circondato da uno studio pieno di terra, in tutte le sue forme: umida, in fase di riciclaggio, in sacchi nuovi, a diversi stadi di cottura o trasformata in scultura.

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A Taste for Clay - Di e con Dinaïg Stall - Foto di  Elena Sennéchael - 2021

ATTRAVERSO L'UTILIZZO DELL'ARGILLA, QUALI TEMI E MODALITÀ RAPPRESENTATIVE HAI SCELTO DI ESPLORARE?

È interessante notare che, nonostante questa familiarità, per lungo tempo non ho sviluppato un vero legame con questo materiale. Mia madre mi ha raccontato che da bambina giocavo spesso con l'argilla. Tuttavia, verso i 4 o 5 anni, sembra che abbia tentato di realizzare un'idea precisa che mi frullava in testa. Di fronte alla mia incapacità di ottenere subito il risultato desiderato, ho abbandonato la terra in un piccolo mucchio e ho esclamato: "Questo è roba vostra, non è per me!".
 
Così, per almeno 15 anni non ho più avuto contatti con l'argilla. Ho ripreso a modellare alla ESNAM, a Charleville, ma con un'intenzione molto diversa rispetto a quella dei miei genitori. Ho sempre utilizzato l'argilla senza cottura per creare modellini, che poi venivano stampati con gesso e utilizzati per realizzare marionette in vari materiali. L'oggetto non è mai stato pensato per essere contemplato per sé stesso; è stato ideato per essere messo in movimento e osservato da lontano, sulla scena. Questo approccio mi ha aperto la possibilità di scolpire, togliendomi la pressione di dover creare un'opera finita. La modellazione è un'attività che mi appassiona molto e mi dona una profonda sensazione di calma, ma non riesco a concepirla come la creazione di un'opera d'arte. Per me è piuttosto una fase nel processo di realizzazione di un oggetto destinato a prendere vita attraverso il movimento. La marionetta mi ha permesso di esplorare il mondo della scultura.
 
Per lungo tempo ho lavorato con la stessa palla d'argilla, riciclandola costantemente. Modellavo mani e piedi di marionette, stampandoli e poi riutilizzando l'argilla, mantenendo sempre lo stesso pezzo. Tuttavia, quando ho iniziato a lavorare all'UQAM, ho dovuto affrontare il fatto che non potevo più utilizzare questo materiale. Il tempo a mia disposizione per dedicarmi alla mia professione di marionettista è estremamente limitato. Anche se insegno a molti apprendisti marionettisti, ho pochissimo tempo per praticare da sola. Questo ha reso impossibile per me lavorare con l'argilla, poiché, nonostante i miei tentativi di mantenerla umida avvolgendola in tessuti, tendeva ad asciugarsi rapidamente in assenza di una manipolazione costante. Di conseguenza, mi sono ritrovata a dover utilizzare la plastilina.
 
Ora sono in grado di scolpire con questo materiale, ma all'inizio lo detestavo. Non ha la stessa consistenza, la sua duttilità è completamente diversa e anche la temperatura è differente. Alla fine, ho imparato ad apprezzare le possibilità offerte dalla plastilina, ma all'inizio è stata una sfida.
 
Contemporaneamente, la rapida essiccazione dell'argilla, che rendeva impossibile per me usarla quotidianamente, mi ha ispirato. Dopo aver partecipato a un workshop di animazione in stop motion con Clyde Henry Productions tramite l'Association Québécoise des Marionnettistes nel 2016, ho avuto l'idea di realizzare un film in stop motion con l'argilla. È ovviamente destinato al fallimento, poiché l'argilla non è adatta alla stop motion, essendo troppo rapida nell'essiccazione tra gli scatti. Ma è proprio questo che mi affascinava: utilizzare al contrario le specificità del materiale, le sue proprietà fisiche, fare qualcosa che non è supposto fare, per trattare il tema dell'erosione, di questa trasformazione a cui siamo tutti destinati. Anche noi ci consumiamo. Rispetto alla pietra, ad esempio, i corpi umani si consumano molto, molto rapidamente. Mi piace molto questa frase di Rebecca Schneider: "Il tempo geologico è il tempo in cui vivono le rocce".
 

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A Taste for Clay - Di e con Dinaïg Stall - Foto di  Elena Sennéchael - 2021

E improvvisamente tutto si è collegato nella mia mente: questo racconto, What Remains, letto molti anni prima, la stop motion e l'argilla.

 

Questo ha preso forma durante la ricerca-creazione, ho abbandonato la stop motion, per diverse ragioni. Tutto ciò ha richiesto del tempo, quasi dieci anni, in realtà. Ammetto che è stato un periodo un po' particolare. Con molte perdite e trasformazioni a causa di questa temporalità. Dopo un po' di ansia nel vedere questo progetto protrarsi più del solito, ho pensato che forse anch'io mi trovassi in una temporalità diversa - quella dell'argilla? - e che avrei dovuto accettarla. 

 

Questo si è riflettuto anche nella condivisione del lavoro con il pubblico. Avevo il desiderio di poter usufruire di un tempo più esteso, diverso da quello tipico della rappresentazione teatrale. Un tempo di installazione, con attivazioni della materia. Trovavo affascinante l'idea di lavorare con la trasformazione del materiale - e non più contro di essa, come quando fallivo nel modellare con l'argilla all'inizio della mia nuova carriera di insegnante. 

 

Quando le opere in argilla sono destinate alla cottura, si devono rispettare varie regole per evitare che l'essiccazione causi delle crepe. Tuttavia, io cercavo proprio questo: che si crepassero, che cedessero.

 

Ad esempio, in una mia installazione, una scultura raffigura delle mani che impugnano veri strumenti da scultura: un martello e un scalpello. Le mani sono modellate con argilla cruda. Man mano che asciugano, con l'evaporazione dell'acqua, l'argilla perde peso. Di conseguenza, le mani iniziano a creparsi e, col passare del tempo, cadono, poiché gli strumenti rimangono sempre pesanti e trascinano giù le mani. Questo lavoro mi ha portato a riflettere sulla storia di Frances Loring, costretta a finire a mano la scultura di un leone in pietra più grande del naturale. Aveva ingaggiato un tagliapietre che lavorava con la macchina, ma lui non tollerava di ricevere ordini da una donna e aveva modificato il design senza chiedere il suo permesso. Così, Frances era stata costretta a terminare la scultura a mano, su una pietra di bassa qualità, durante l'inverno sulle rive del lago Ontario. Possiamo solo immaginare quanto sia stato difficile completare questo lavoro. La descrizione delle mani di Frances come artigli, una volta terminata l'opera, mi ha particolarmente colpito.

 

Questo episodio mi ha spinto a riflettere sulle proprietà dei materiali e a utilizzare l'argilla cruda come mezzo per evocare questa storia. Trovo estremamente potente negli spettacoli delle marionette il fatto che non si debbano necessariamente esprimere concetti a parole, perché il materiale stesso comunica già un messaggio.

 

La materia stessa è portatrice di narrazione.

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A Taste for Clay - Di e con Dinaïg Stall - Foto di  Elena Sennéchael - 2021

COME HAI LAVORATO DURANTE LA CREAZIONE DELL'INSTALLAZIONE, COME SI È SVOLTO IL TUO PROCESSO CREATIVO?


Durante la condivisione del mio lavoro di ricerca-creazione, ho scelto di presentarlo attraverso un'installazione - una sorta di percorso con diverse stazioni, dove le persone potevano muoversi liberamente, osservare da vicino le sculture e leggere brevi estratti del racconto sui pannelli. Questo è stato intervallato da una performance durante la quale alcuni passaggi del testo venivano recitati in inglese. Sono stata come un ponte che traduceva alcuni frammenti in francese e metteva in movimento le sculture, senza toccarle fisicamente. Ad esempio, in un passaggio dove Florence racconta che Frances non la riconosce quando prova a parlarle, ho utilizzato i torni da scultura per mostrare questa comunicazione che inciampa, solo attraverso i movimenti rotatori dei busti.
 
Nell'installazione c'erano sculture in argilla, altre in gesso e altre ancora che combinavano entrambi i materiali. C'era persino una scultura in silicone per creare un effetto di tremolio, anche se ammetto che questo sia stato un po' come barare! Fa parte dell'aspetto teatrale, possiamo giocare con l'illusione. Ho utilizzato registri di figurazione differenti, alcuni più realistici di altri. Alcune sculture raffiguravano i volti degli artisti, altre piccoli busti, altre ancora erano abiti da lavoro immersi nella barbottina e induriti dall'asciugatura.
 
Alla fine della performance, ho proiettato con il retro proiettore una foto dei due artisti giovani su una tela ricoperta di barbottina secca, crepata. Passando la mano dietro la tela, facevo cadere dei pezzi di barbottina secca, che toglievano un frammento d'immagine per un breve istante. Secondo alcuni spettatori, sembrava che Florence, che è a destra nell'immagine, stesse piangendo.
 
Vorrei anche menzionare la mia collaborazione con Cléa Minaker, che è stata la mia fedele complice durante l'ultima residenza. La sua presenza è stata fondamentale per completare questa prima versione del progetto. Nel giugno 2021, ho avuto prima una settimana di residenza alla MIAM, la Maison Internationale des Arts de la Marionnette; poi, nel giugno 2023, ho avuto la fortuna di ottenere tre settimane di residenza presso OBORO, un centro di arti visive e media a Montréal. Mi è stato permesso di utilizzare una delle loro sale espositive per tutta la durata della residenza. Questo mi ha entusiasmato molto: uscire dalla scatola nera del teatro e entrare nella scatola bianca della galleria, ma in modo molto performativo e teatrale. Penso che tutta la mia pratica sia interstiziale, al confine tra le arti performative e le arti visive.
 
Durante le prove con Cléa, un elemento scenografico è crollato e la testa di Frances è caduta a terra, schiacciandosi completamente su un lato. Ho dovuto scolpirne una nuova. È stata una situazione piuttosto particolare, perché stavamo provando una scena che raccontava proprio il momento in cui Frances affonda nella demenza senile. È stato proprio in quel momento che ha, letteralmente, perso la testa. Ovviamente, sul momento, non ero felice di dover passare altre quattro ore a scolpire, ma allo stesso tempo ero toccata. Non sono credente, ma devo ammettere che ho trovato quel momento molto significativo. Forse Frances mi stava facendo un piccolo segno, al di là del tempo e dello spazio, facendo cadere questa temporanea incarnazione del suo viso?

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A Taste for Clay - Di e con Dinaïg Stall - Foto di  Elena Sennéchael - 2021

QUAL'È STATA LA RICEZIONE DEL TUO PROGETTO, E QUALI SVILUPPI PREVEDI PER QUESTO?


Cosa rimane (What remains)? Penso che siano le tracce, sempre le tracce. Segni che consentono agli altri di afferrare i racconti, di interpretarli. Credo che questo valga per tutti, ma è particolarmente vero per le artiste donne e ancor di più per le artiste donne queer, così come per le persone queer in generale. Le nostre tracce nella storia sono spesso rese invisibili o cancellate, omogeneizzate. L'oblio delle nostre opere e delle nostre esistenze è costante.
 
Continuiamo a riscoprire, ad esempio, le artiste lesbiche. Sono costantemente cancellate e riappaiono continuamente. C'è un'autrice che definisce questo fenomeno "l'apparizione lesbica" (The Apparitional Lesbian: Female Homosexuality and Modern Culture, T. Castle, 1995). Propone che questa cancellazione contribuisca anche alla nostra forza, perché, anche se non è l'obiettivo, ci fa riapparire costantemente, ad ogni nuova generazione di artisti che cerca le tracce delle sue predecessore. La nostra presenza ha qualcosa di intermittente o spettrale, e il mio lavoro è stato influenzato anche dalla proposta di Jack Halberstam in The Queer Art of Failure che la spettralità possiede un potenziale queer.
 
C'è qualcosa di spettrale in queste bluse impastate di argilla. Indossarne una e farla camminare, alla cieca, è stato divertente, toccante e potente allo stesso tempo. Essere abitati da altri è un'esperienza molto familiare per i marionettisti, così come dare presenza ad altri al di fuori di sé. Questo solleva anche molte questioni etiche e ci impegna nella nostra responsabilità: chi stiamo rappresentando? È davvero compito nostro rappresentare queste persone? Come marionettisti, non credo che possiamo rappresentare tutto, fisicamente o eticamente.
 
In questo lavoro, mi inserisco esplicitamente in una filiazione lesbo-queer attraverso l'intreccio delle opere di Loring-Wyle, di quelle di Donoghue e della mia ricerca-creazione. Mi collocato in una logica di reinvenzione abbastanza simile a quella di Emma Donoghue, che scrive negli interstizi dei documenti d'archivio, in modo che propone un'interpretazione possibile della realtà, a partire dal proprio immaginario, dalla propria storia di marginalizzazione. Ecco perché, come molti altri artisti prima di me, faccio appello anche alle parole di Monique Wittig in Les Guérillières: "Tu dici che non ci sono parole per descrivere questo tempo, tu dici che non esiste, ma ricorda, sforzati di ricordare, o in alternativa, inventa."

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A Taste for Clay - Di e con Dinaïg Stall - Foto di  Elena Sennéchael - 2021

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A Taste for Clay - Di e con Dinaïg Stall - Foto di Dinaïg Stall - 2021

PENSI DI LAVORARE ANCORA CON L'ARGILLA? C'È QUALCOSA CHE HAI SCOPERTO A SUO PROPOSITO DURANTE QUESTO PROGETTO CHE TI PIACEREBBE APPROFONDIRE?


All'inizio della performance, mi rivolgo direttamente agli spettatori e, dopo aver contestualizzato l'evento nel contesto della mia ricerca artistica, parlo dell'argilla utilizzata e della sua origine.

Questa argilla proviene da un territorio autoctono non ceduto. È importante per me evidenziare la storia di questo materiale e come sia segnata dalla violenza coloniale.

I popoli e le nazioni indigene sono i custodi delle terre e delle acque da cui proviene questa argilla.

È grazie alla loro cura per questo territorio che ancora esiste dell'argilla, nonostante secoli di sfruttamento coloniale, che riguarda non solo la terra ma anche altri materiali, come le foreste, i sottosuoli, eccetera. Lavorare con un materiale grezzo implica anche interrogare la sua collocazione nell'ecologia di un determinato luogo.
 
Ritengo che l'argilla rappresenti tutto questo.
 
Essa si asciuga, si erode rapidamente, si fessura. Tuttavia, è altrettanto facile rimetterla in umido, recuperarla e utilizzarla per creare di nuovo.
 
Quello che mi interessa di più in questo materiale è proprio l'interazione tra erosione e persistenza.

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A Taste for Clay -  2021 -  Foto di Dinaïg Stall : " Quando ero in residenza a OBORO alla fine della primavera e all'inizio dell'estate, le foreste bruciavano per giorni nel nord del Québec. L'aria a Montréal era regolarmente irrespirabile e la luce di un'arancia così bella quanto tossica. È questo ciò che si percepisce un po' nella foto con il piccolo busto decentrato e la grande superficie luminosa arancione. Era un contesto molto strano, che richiamava l'urgenza di cambiare completamente direzione, collettivamente, per tornare a forme di attenzione al mondo molto più sostenute e a pratiche di cura verso tutto ciò che ci circonda."

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